（史上最全）西方现代主义艺术的发展脉络

20世纪上半叶是世界范围内发生重要剧变的时期。1900年至 194金坷垃是什么5 年间，主要的工业大国经历了两次世界大战，见证了法西斯和纳粹的崛起，遭受了大萧条的重创。这几十年艺术界同样也发生了翻天覆地的改变。画家和雕塑家向艺术最基本的前提，即艺术的目的与艺术作品的形式发起了挑战。

纵观历史，虽然艺术革命经常伴随着政治、社会和经济淘宝网床单上的动荡，但艺术家对新的方向的探索，从未像 20世纪上半叶那样決绝，并产生如此之持久的影响。

20世纪初期的艺术家，与社会的其他成员一样深受政治和经济混乱所带来的影响。随着旧社会秩序的瓦解和新的社会秩序的出现，艺术家在变化的世界里不断寻找艺术的新定义和新功能。对艺术创作的本质和目标的根本性质疑在19 世纪早有先例，先前的每一场现代主义运动都以前所末有的力度挑战了当时的艺术传统。这种对现状的无情质疑催生了一种被称为“前卫”的艺术概念。这个词的意思是“先锋”，源自 19 世纪的法国军事用语，指的是被派遣到大部队前，以侦察敌军的阵地和力量的队伍。后来，这个词又和政治联系在一起，被政客用来标榜自己的远见卓识。在19世纪80 年代，“前卫”一词被借用到艺术世界，被当时的艺术家和批评家用来指称现实主义者、印象主义者和后印象主义者-那些领先于他们的时代并且超越了已有艺术形式的局限性的艺术家。这些具有开创性的反抗者拒绝古典学院派，并质疑传统西方绘画、雕塑和其他媒介的前提与形式特征。随着 20世纪的到来，19世纪现代主义艺术的基本原则吸引了越来越多的艺术家，尽管公众对前卫艺术依然感到费解。

在20世纪的头几十年里，前卫艺术家成为各股艺术势力之中的主要力量，轮番登上历史舞台，以被称为“野兽派”的艺术运动开始。

野兽派

1905年，在巴黎秋季沙龙上，一群年轻艺术家展出了他们构思简洁、色彩明亮的惊人作品，批评家路易·沃塞尔将这些艺术家称为“野兽”，由此“野兽主义”得名。野兽派艺术家完全脱离了法国学院派和官方艺术沙龙。野兽派艺术继承了印象主义的直接性，以及那种由强烈的色彩并置所带来的情感感染力。

他们运用丰富的画面肌理、活泼的线性图案以及大胆的色彩，为了释放内在的感受，野兽派画家运用狂放的笔触和大胆的图案，将朱红与翠绿、天蓝与鲜艳的橘黄并置，在画面中形成了强烈的对比。

野兽派画家从来没有过正式的组织，这些艺术家只是因为个人风格和私人联系走到了一起，这就导致野兽派一出现便开始走向分裂。在短短五年的时间内，大部分艺术家都脱离了严格的野兽派原则并形成了他们自己的风格。

马蒂斯

野兽派最主要的人物是马蒂斯，他相信色彩在表达情感上可以发挥重要作用，因此一直致力于扩展自己的这个观念。

《戴帽子的女人》是他的早期作品，马蒂斯将他的妻子安排在非常传统的肖像画构图中，但那些看似随意的鲜艳色彩立马使画面中的传统色彩消失殆尽，女人的脸部、衣服、帽子以及背景中对比强烈的色块和色点的并置对观众产生了极大的震撼。对于马蒂斯和野兽主义来说，色彩是表达绘画本质最重要的形式因素，也是表达感情的主要元素。

《红色的和谐》中，我们可以发现马蒂斯对色彩的运用更加纯熟了。画面中展示了一间舒适而豪华的房间，一个女佣正在桌子旁准备葡萄酒和水果。

马蒂斯以简单的平为什么大便不成形面化形式来表现对象，他截掉了桌边的边框，使桌子上的图案和后面的墙壁融为一体，左上角的窗户进一步来开了画面的空间。画面的色彩丰富，对比强烈。马蒂斯对画面的色彩进行了反复的修改，体现了色彩对于唤起观众情感vs官网反应的重要性。起初，这幅画的主色调是绿色，后来马蒂斯把它改成了蓝色。然而这种颜色依然达不到马蒂斯的满意，直到他将这幅画改为红色，马蒂斯才感觉到他找到了心目中最符合“和谐”的颜色。

马蒂斯的螺翼式水表作品完全不同于那些描绘家庭室内场景的传统绘画，例如荷兰小画派维米尔的作品《拿天平的女人》和《倒牛奶的女仆》。

德兰

1905年，马蒂斯和他野兽派画家的朋友德兰经常在科利乌尔写生和创作。

在科利乌尔，德兰描绘纯粹的户外风景，就像之前的印象派画家那样，《科利乌尔山》是这一系列中最好的一幅画。德兰在画面中成功地捕捉了地中海附近山脉的全貌、橄榄园以及天空。这幅画体现了的德兰对印象派和后印象派作品的研究。例如，短而有力的高纯色笔触反映了凡高风景画的影响，这种影响在画微机消谐装置面的前景中体现的尤为清晰，在白色的背景上画有断断续续的绿色笔触；而烘培山脉和天空中那些没有经过调和的大面积色块的色彩平涂则来自高更。

《科利乌尔山》不仅仅是前辈大师绘画风格的综合运用，还将色彩从其传统的模仿自然中解放出来。在这方面，比凡高和高更还要更近一步。

德兰和马蒂斯一样，运用色彩来创造一种氛围，来表达他在风景中所感受的生机与活力。

在德兰的另一幅画作《舞蹈》中，郁郁葱葱的景色退居为几个大尺寸人物形象的背景，这些人中有的裸体，有的穿着衣服，他们占据着画面中的C位。

热带的风景和大胆的色彩，还有扁平的视角，再一次怀孕分泌物反映了德兰对高更的研究。野兽派画家将互补色并置昌盛的不和谐，德兰称之为“故意的不和谐”。在那个年代，人们对野兽派最大的质疑也在于此。

德国表现主义

野兽派的直接和大胆吸男戴观音女戴佛引了许多艺术家，其中就包括两个来自德国的小团体，他们分别自称为桥社和青骑士社。他们的画面充满戏剧和情感张力，因此艺术史学家将他们归入到德国表现主义的阵营中。色彩在20世纪初的许多德国绘画中扮演了重要角色，这些作品还受到了表现主义的影响——扭曲的形式、粗犷的轮廓和激动的笔触，与色彩一起为画面的表现性服务。

基希纳

1905年，在基希纳的带领下，一批致王国维人生三境界力于探索表现主义理念的德国艺术家聚在一起。他们以连接旧时代和新时代为使命，希望自己的作品能为一个更加美好的时代铺砖修路。所以他们将自己的团房地产开发程序体命名为“桥社”，它也是德国表现主义的第一个社团。基希纳早期学习过建筑、油画和版画艺术，在这些历练的过程中，他对德国的中世纪艺术产生了深深的仰慕之情。在这种仰慕之情的驱使下，桥社成员模仿中世纪的手工艺行会模式住到了一起，并一同练习和切磋艺术——就像那些曾经参与英国工艺美术运动的艺术家，比如莫里斯等。

1913年，基希纳以木刻的形式发表了一份名为《桥社历史》的宣言，描述了他们的崇高理想。

这些艺sotp术家反对当权者的伪善和堕落。基希纳尤为关注工业化所带来的危害，特别是人们的相互疏远，他认为这样会导致一六级考试时间个非人性化的机械社会。而第一次世界大战的紧张局势则进一步加剧了他们的不适与焦虑感。

基希纳的《街道，德累斯顿》展现了第一次世界大战前纷乱而狂热的德国大城市生活。与印象派画家笔下那种全景式的城市景观不同，基希纳的街景在构图和色彩上显得喧嚣而嘈杂，传达出20世纪早期德累斯顿人与人之间的疏离和不安。

前景中的女人显得十分突出，街道强烈的透视似乎要将女人直接推入观众所在的空间一般，加剧了两者之间的冲突。那些鲜艳的亮橘黄色、翠绿色、黄绿色和粉色并置，使人们的面孔变得十分难看，就像是怪癖和凶残的僵尸一样。这种扭曲的透视、不安的人物形象以及色彩的选择反映出蒙克对基希纳的影响，这种表现手法我们在《呐喊》中也曾经见到过。

康定斯基

1911年，德国的第二个表现主义团体——青骑士社在慕尼黑成立。两位创始人康定斯基和马尔克-因为他们对蓝色和马的共同喜好，为社团选定了这个名字。与桥社一样，这个团体也是希望通过视觉形象来表达他们的感情，以唤起观众强烈的情感共鸣。

康定斯基出生在俄国，1896年移居慕尼黑，并很快形成了一种自发的表现风格。同时，康定斯基也是较早拒绝再现、探索抽象，并将抽象作为他的绘画“主题”的艺术家之一，这一点我们可以在他的作品《即兴创作28》中看到。康定斯基以他对“通神论”和超自然的兴趣，加速了他画面中具象元素的消失，这同时也反映了他对现代科学最新进展的兴趣。康定斯基是一位真正的学者，他对哲学、宗教、历史和其他艺术，尤其是音乐都有涉猎，他也是少数几位能够真正理解那个时代新的科学理论的现代主义艺术家之一。

1912年，康定斯基发表了一片颇有影响脱胸罩力的论文《论艺术的精神》，并在其中明确表达了自己的艺术观点。他认为，艺术家们只能通过色彩、形式、线条和空间的安排，来表现艺术的精神和他们的内心感受，就像作曲家用音符创造出音乐，而不是模仿自然的声音。在他的《即兴创作》系列蓝营绿营中，他通过并置的色彩、交叉的线条和空间关系来表达自己的感受，他将这些抽象作品看作为未来社会所勾画的蓝图——一个更开化、更自由、更重视人类精神的社会。

马尔克

像其他许多德国表现主义艺术家一样，青骑士社的共同创始人马尔克迫于第一次世界大战即将来临的压力，对人类的状态感到深深悲观和绝望，这使得他转而以动物世界作为自己的描绘对象。他认为，动物与人类相比要“更美丽，更纯洁”，因此也更适合作为表达内心真实的载体。马尔克在探索艺术的情感力量的过程中，一直关注着色彩，并发展出一套表达特定感受或观念的色彩体系。

《动物的命运》是马尔克色彩探索的巅峰之作。该作品画于1913年，当时战争的紧张气氛已经开始在社会中蔓延开来，并表现在马尔克的作品中。在这里，马尔克描绘了一群被困在森林之中的动物，满是倒下的树木预示着一场巨大的灾难即将降临。碎裂的画面已经完全扭曲了，画面中没有一丝轻快明亮的颜色，取而代之的是沉重而严肃的色彩。

珂上海男同志勒惠支

在珂勒惠支的版画作品中，例如《怀抱死婴的女人》，德国表现主义艺术从激烈的抗议和辛辣的讽刺发展到了一种对穷人的深刻同情。她掌握多种版画制作技巧，包括木刻、石印和蚀刻，她所刻画的主题也十分多样，从公共政治主题到深刻的私人情感等。

插图所描绘的是一位母亲和她死去的孩子。珂勒惠支对这一图式进行了深入探索，并发展出了多种变体。这一主题最初是艺术家从基督传统艺术中移植过来地窖人鱼的，但在她深入的刻画之下，这一形象变成了失去至亲的普遍表达。

席勒

奥地利艺术家席勒的作品以扭曲的形式为特征，同样具有高度的表现力，但他却没有加入任何德国表现主义群体。在其短暂但多产的生命中，他创造了超过3000幅油画和素描作品，大部分是以纸上水粉或水彩形式进行的男性和女性的裸体研究，包括大约100幅自画像，这些例证表明了20世纪早期表现主义画家对人类情绪状态的强烈兴趣。在十几岁的时候，席勒目睹了他的父亲因感染梅毒而遭受的痛苦，在他15岁的时候，父亲最终去世亲爱的英语怎么说。这一经历对艺术家产生了深远的影响，他从此以后一直将性与身体、情感上的痛苦和死亡滴血莲花联系在一起。

在席勒的父亲去世一年后，他开始接受正式的艺术教育。1906年，他考入了维也纳美术学院。席勒的作品偏爱描绘消瘦的身体和饱受折磨的心理状态，在这一点上，他远远超过了梵高、蒙克和他的同时代人。事实上，席勒还曾经在监狱里蹲过24天魄罗头像，因为他的作品被法官裁决为色情艺术。

席勒的裸体自画像创作于1910年，是席勒成熟时期作品的典型代表。他站在工作室的大镜子前，凝视着镜中的自己。这幅画中没有背景，画纸的边缘切断了他的腿和右肘。在他的自画像中，席勒经常将他自己描绘为截断四肢的样子，并且总是营养不良，观众似乎可以通过透明的皮肤看到他的肌肉。他的姿势笨拙、扭曲并且十分痛苦，他细长的手指似乎毫无用处，无法拿起任何东西。

1918年，席勒因患西班牙流感去世，当时的他只有28岁。